Música

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MIÉ, 14/11/2012

Obras clásicas, éxito discográfico

Este disco constituyó no solo un éxito comercial, sino el cambio del destino para una obra. Poco se recuerda la película sueca “Elvira Madigan”, del año 1967, cuya música incidental fue el segundo movimiento, Andante, del Concierto para piano No. 21 en Do mayor K.467, de Mozart. La grabación utilizada estuvo a cargo del pianista húngaro Géza Anda (1921-1976), reconocido por ser el primero en grabar el ciclo completo de Conciertos para piano de Mozart, bajo su propia dirección desde el teclado, proyecto adelantado entre 1961 y 1969. Con el éxito de la película, el susodicho concierto se dio a conocer con el epíteto de “Elvira Madigan” y la grabación fue publicada nuevamente con Pia Degermark en la portada, ganadora en el Festival de Cannes como mejor actriz por su papel protagónico en el film.

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MIÉ, 14/11/2012

Obras clásicas, éxito discográfico

“El año 1812, Obertura festiva” op. 49 en Mi bemol mayor, escrita por Tchaikovsky en 1880, conmemora el triunfo del ejército ruso sobre las tropas de Napoleón. En concordancia, la obra fue concebida originalmente con uso de cañones, campanas y fuerzas orquestales de amplia envergadura. La histórica grabación que aquí se presenta, realizada en 1954, tuvo la asesoría de un experto en artillería militar del siglo XIX asociado a la Academia Militar de Westpoint, con lo que se consiguieron piezas de cañón y mosquetes de la era napoleónica. Sobre los detalles técnicos para lograr la grabación, el disco incluye comentarios de Deems Taylor (1885-1966), compositor y promotor de música clásica, recordado por su papel como comentarista y seleccionador musical de la película “Fantasía”, de Walt Disney. Este es el disco con más ventas y reediciones en la historia de la música clásica grabada.

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MIÉ, 14/11/2012

Música clásica y pop, juntos y revueltos

Walter/Wendy Carlos (1939), músico de credenciales impecables en su formación académica, se consagró a partir de los años 1960 a la interpretación del sintetizador análogo Moog, aparato pionero en una influyente línea instrumental para la música pop. Como manifiesto sobre las posibilidades del nuevo instrumento, Switched-on Bach (1968), primer ejemplar de varios dedicados al repertorio bachiano, es más que ilustrativo. La interpretación de Carlos es una verás encarnación del espíritu bachiano, aún en medio del insólito contexto. El cuantioso número de ventas del disco, se reflejó en las encumbradas posiciones que alcanzó en el Top de Billboard, así como en los Premios Grammy, donde obtuvo galardones en Mejor Álbum Clásico, Mejor Interpretación Clásica solista y Mejor Ingeniería de grabación clásica.

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MIÉ, 14/11/2012

Música clásica y pop, juntos y revueltos

La influencia de Johan Sebastian Bach en la música de los Beatles, se vertió a través del suspicaz olfato de Sir George Martin (1926), calificado músico, productor y verdadero quinto Beatle. Su concepción musical dio sentido trascendental a buena parte de las canciones de la banda británica. Hay allí distintos homenajes y referencias, implícitas o explícitas, a la obra de Bach, afinidad elocuente también en las transcripciones realizadas de esas canciones a la estética barroca. Tanto Bach como los Beatles, han corrido la suerte de ser estilizados hasta la saciedad en productos como éste popular disco. Beatles, Bach, y de paso Bacharach, fueron así homogenizados apabullante, pero significativamente.

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MIÉ, 14/11/2012

Latinoamérica en el mundo de la música clásica

De mayor reconocimiento que Revueltas, en el panorama musical mexicano se encuentra a Carlos Antonio de Padua Chávez y Ramírez (1899-1978)compositor alineado con expresiones de corte nacionalista como las de Aaron Copland en EEUU, o Heitor Villa-Lobos en Brasil. Al igual que ellos, Chávez se encarga de dejar un rico legado de grabaciones en las cuales él mismo dirige sus obras. Probablemente es el primer compositor latinoamericano de renombre que continuamente tiene producción fonográfica. Es por eso que se tiene un número generoso de interpretaciones de repertorio latinoamericano bajo su batuta. Esta del año 1956, reúne piezas características del nacionalismo mexicano, interpretadas por la Orquesta Sinfónica de México, cuyo primer director en 1928 fue el propio Chávez.

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MIÉ, 14/11/2012

Latinoamérica en el mundo de la música clásica

En la relación asimétrica que caracterizó el ambiguo campo de la música clásica al despuntar el siglo XX, México y Brasil produjeron nombres significativos. Para el primer caso, Silvestre Revueltas (1899-1940) fue una figura idiosincrática, heterodoxa y vanguardista. Con el espíritu de la Revolución y la cultura popular mexicana, produjo un lenguaje tan revolucionario como el de cualquiera de sus contemporáneos europeos. En su momento, sin embargo, no fue muy reconocido. Su obra tuvo que esperar la luz que trajo en los años 1980 una generación de músicos en la que se incluye al Cuarteto Latinoamericano, agrupación sin parangón en el concierto de las naciones hispanoamericanas.

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MIÉ, 14/11/2012

Emblemas de la ópera como expresión artística e industria musical

Decca fue por muchos años un sello discográfico enfocado en la producción de ópera y reconocido por tal característica. Su filial inglés, London Records, se preció de grandes realizaciones concebidas en buena medida por el productor John Royds Culshaw (1924-1980). Luciano Pavarotti, Joan Sutherland, Montserrat Caballé, Nicolai Ghiaurov, Tom Krause y Peter Pears, conforman la pléyade de estrellas que hacen tan brillante esta grabación de 1972. A la cabeza, quien fuera reconocido años más tarde por su trabajo con los “Tres Tenores”, Zubin Mehta.

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MIÉ, 14/11/2012

Emblemas de la ópera como expresión artística e industria musical

Junto a Tosca (1900) y Madama Butterfly (1904), La Bohemia (1896) conforma el grupo de óperas más reconocidas de Giacomo Puccini, emblemas del verismo italiano. Se cuenta aquí con una grabación emblemática realizada en 1956, en la que participaron el tenor sueco Johan Jonatan “Jussi” Bjoerling y la soprano española Victoria de los Ángeles, bajo la dirección de Sir Thomas Beecham, quien tuvo una estrecha relación con el propio Puccini para un montaje de la obra en Londres en 1920. A pesar de diferencias personales entre los dos, fueron complementarios en sus vidas musicales. Beecham, fundador de las Orquestas Filarmónica de Londres y Filarmónica Real, gestor del moderno establecimiento musical en Gran Bretaña, fue un declarado cultor y difusor de la obra de Puccini.

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MIÉ, 14/11/2012

Música, discos y política cultural

Aunque en la actualidad la noción de “culturizar” despierta no solo escepticismo sino abierto rechazo y las políticas en la actualidad propenden por generar marcos antes que acciones directas en ese sentido, al ponerlo en perspectiva, es notable que durante los años 1970, desde el Estado se halla adelantado un proyecto que propendió por la difusión masiva de la música llamada clásica, si se tiene en cuenta que a la vuelta de dos décadas los lineamientos del Ministerio de Cultura, en cabeza de Consuelo Araujo, se trazaron en directa oposición, por ejemplo con el rechazo a las diversas conmemoraciones realizadas a propósito de los 250 años de la muerte de J.S.Bach, en el año 2000.

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MIÉ, 14/11/2012

Música, discos y política cultural

Por iniciativa de Instituto Colombiano de Cultura – Colcultura, de la mano con Philips, a partir de 1975 se realizó una notable campaña para la difusión nacional de música llamada clásica. Se trata de una vasta colección con muy buenas versiones de grandes obras, publicadas a un costo muy reducido, que tristemente incidió en la mala calidad del fonograma. El diseño realizado por Marta Granados estaba inspirado en el colorido de lo que entonces eran los buses de servicio público, con lo que dio respuesta a la intención de promulgar una apropiación de dicho repertorio. Se daba a entender que era música para el consumo popular, un producto asequible para la Colombia urbana.

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MIÉ, 14/11/2012

Música clásica, música del mundo

Inmerso en un mundo que busca recomponerse del impacto de la Gran Guerra y ad portas de la Crisis del 29, George Gershwin publica en 1928 “Un americano en París”. Tras los pasos de Maurice Ravel, Gershwin viaja a Francia con la esperanza de encontrar un mentor que al rechazarlo, le insta a seguir su propio camino. “Un americano en París” es una obra imbuida en el mismo mundo de obsesiones. En el París impetuoso de la postguerra, se encuentra un joven estadounidense que extraña el vértigo urbano de Nueva York, inspirador también de su “Rapsodia en Blue” (1924), obra deudora tanto de la tradición jazzística como de la Francia cosmopolita de Ravel.

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MIÉ, 14/11/2012

Música clásica, música del mundo

El espíritu de la primera pos guerra habita en la esencia cosmopolita del célebre “Bolero” (1928), ballet de Maurice Ravel. La obra refiere directamente a un ámbito alterno al del canon europeo occidental. Su expresividad se logra a través de un esquema rítmico y melódico obsesivo, con una rica orquestación que habla sobre la concepción de la música al despuntar el siglo XX. Es un ejemplo paradigmático del interés que despertó en Francia la exótica cultura española. Ravel se apropia de un género popular andaluz para convertirlo en una danza angustiosa, emocionante, apta para el escenario vanguardista. Con el paso de los años y la variedad de usos, la obra ha recobrado su espacio en el espectro popular.

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MIÉ, 14/11/2012

Un mensaje musical de paz y optimismo ante la adversidad

Con Ein Deutsches Requiem, op.45 (Réquiem Alemán, 1854-68), Johannes Brahms expresa una forma idiosincrática y revolucionaria de asumir el oficio litúrgico, al confrontar la tristeza por la muerte de su madre y de su amigo y promotor Robert Schumann, con el carácter laico y optimista que también tiene la obra. Rudolf Kempe (1910-1976), influyente batuta en el campo del repertorio germano, logró en 1955 una grabación de referencia, en la que descuella el joven barítono de célebre carrera que será Dietrich Fischer-Dieskau (1925-2012). Dada la precariedad de las condiciones que ofrecía para la producción la Alemania de Postguerra, con continuos cortes de luz y orquestas de músicos hambrientos, el mensaje de paz y tranquilidad en medio de la tragedia se asume a la perfección.

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MIÉ, 14/11/2012

Un mensaje musical de paz y optimismo ante la adversidad

La Sinfonía No. 9 en re menor, op.125 de Beethoven, ha sido interpretada en los contextos más disímiles. Durante el régimen Nacionalsocialista en Alemania, sirvió para conmemorar el nacimiento de Hitler. A la cabeza de la interpretación estuvo el laureado director Wilhelm Furtwängler (1886 – 1954), uno de los pocos músicos de renombre que por entonces se negó a huir de su Alemania natal, a pesar de las diferencias con el sistema. Por ese supuesto vínculo con el partido Nazi, Furtwängler fue proscrito del entorno musical y solo se le autorizó dirigir una orquesta seis años después, para la reapertura del Festival de Bayreuth, cuna de la ópera wagneriana y templo desde el cual había oficiado Hitler, razón por la cual el Festival estuvo a su servicio y fue cancelado. Reabrirlo en 1951 con la Sinfonía “Coral”, símbolo de libertad y fraternidad, significó haber saldado cuentas con el pasado.

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MIÉ, 14/11/2012

Música, muerte y tragedia

Como respuesta al bombardeo que durante la Segunda Guerra sufrió la ciudad inglesa de Coventry y la destrucción de su celebrada Catedral, se erigió un nuevo templo junto a las ruinas de la antigua edificación. Signado por un espíritu reconciliador, el acto inaugural de 1962 contó con una obra alusiva escrita por Benjamin Britten. Su “Requiem de Guerra”, utiliza poemas escritos por Wilfred Owen, abatido en La Gran Guerra, cargados de desencanto y aprehensión por un mundo impelido hacia el desastre. Britten alude al rostro yermo de la guerra y convoca por ilustrativa oposición, tres voces representantes de las potencias en pugna: Galina Vishnevskaya, soprano soviética, Dietrich Fischer-Dieskau, barítono alemán, Peter Pears, tenor inglés.

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MIÉ, 14/11/2012

Música, muerte y tragedia

El trágico deceso de su hija y una propia afección incurable del corazón, conforman el escenario en el cual Gustav Mahler escribe su novena sinfonía titulada “La canción de la Tierra” (1907-1909). La obra es a la vez un monumento a la desolación y cierta luz de consuelo frente el destino fatal. Del año 1952, esta es la tercera de las cuatro grabaciones realizadas bajo la dirección de Bruno Walter. Participan Julius Patzak, tenor, y Kathleen Ferrier, contralto de culto devocional allende las fronteras de su Inglaterra natal. Al momento de grabar, Ferrier también es consciente de su destino, víctima de un cáncer sin remedio. Se dice que el firme carácter de Walter, no pudo contener la emoción de sus lágrimas ante la descollante entrega de Ferrier en el movimiento final de la obra, “La despedida”.

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