Cultura y sociedad | Señal Memoria

Verdadero ícono de la cultura musical española, Nicanor Zabaleta (1907-1993) mantuvo una agitada vida de conciertos y grabaciones con millonarias ventas. Gestor del repertorio moderno para arpa, a lo largo del siglo XX tuvo a bien estrenar obras novedosas de compositores como Ginastera o Villa-Lobos, a la par con Rodrigo y Darius Milhaud, entre muchos otros. En ese ecléctico trasegar, tienen un lugar privilegiado las obras españolas para arpa y el periodo clásico europeo. Una muestra representativa de la estética central germana del siglo XVIII se presenta en esta clásica grabación de 1966, que incluye diversos conciertos para el instrumento.

Aunque Edgar Varèse (1883-1965) inició su formación de manera ortodoxa y sus primeras composiciones apuntaron en esa dirección, la pérdida de todo su catálogo temprano y la obstinada búsqueda experimental posterior, han hecho de él un ícono de la vanguardia en el siglo XX. Este disco presenta influyentes composiciones que si bien no usan recursos eléctricos ni electrónicos, fueron cruciales para la sorprendente evolución que tuvo posteriormente la música concreta, electrónica y electroacústica: “Offrandes”, para soprano y orquesta de cámara (1921); “Hyperprism”, para pequeña orquesta y percusión (1922-23); “Octandre”, para flauta, clarinete, oboe, corno, fagot, trompeta, trombón y contrabajo (1923); “Integrales”, para pequeña orquesta y percusión (1924-25); “Ionisation”, para ensamble de percusión (1929-31); “Density 21.5”, para flauta sola (1936).

Fabio González Zuleta (1920-2012) dejó tras de sí una obra sólida y de difusión privilegiada dentro del limitado espacio existente en Colombia para tal fin. La diversidad de su catálogo expresa una posición vanguardista enfocada en el desarrollo de tradiciones musicales ortodoxas: escasas exploraciones de corte nacionalista, incursiones en el serialismo, manejo de politonalidad y la primera obra realizada en nuestro país dentro del ámbito de la “música electrónica”. Su mentalidad universalista le permitió asumir riesgos creativos de orden conciliador entre el medio internacional y las condiciones locales. Aquí un disco publicado por Colcultura a partir de grabaciones realizadas por la Radiodifusora Nacional de Colombia (hoy Radio Nacional de Colombia).

El origen de la Schola Cantorum de París (1894) se da como reacción conservadora frente al denotado ánimo vanguardista del establecimiento musical francés en los albores del siglo XX. Tanto más atrevido como característico de ese espíritu vivaz, fue el denominado grupo de “Los seis”, a cuya sombra despuntaron las primeras composiciones de Virgil Thompson (1896-1989). Compositor y crítico estadounidense, una vez ubicado en París entró en contacto con Gertrude Stein, libretista de su obra más reconocida, la ópera The mother fo Us All de 1946, reelaborada posteriormente a la manera de suite orquestal, aquí presente.

Luego de finalizar sus estudios en la influyente Schola Cantorum de París, Antonio María Valencia optó por declinar el cargo de profesor de piano que allí le ofrecieron para regresar al convulsionado medio musical bogotano. Llegó en 1929. Pocos años después reemplazó a Guillermo Uribe Holguín como director del Conservatorio y de su Orquesta, con un desempeño que hizo de él una figura controversial. Ubicado en Cali, Valencia fundó el Conservatorio que lleva su nombre. Su ocupación en aquellas instituciones interrumpió una carrera como pianista que despuntó de manera brillante, e incidieron también en su escasa obra como compositor. 

Contraparte de los conglomerados de comunicación norteamericanos, tipo NBC, en Inglaterra se contó con la British Broadcasting Corporation (BBC), que tuvo también su propia orquesta. A partir de los años 1930 con el nombramiento de Sir Adrian Boult (1889-1983) como Director de Música de la BBC, y por tanto regente de la Orquesta, esta agrupación tuvo una época gloriosa asociada a la interpretación de repertorio nacional británico, tanto del pasado como del presente. El repertorio abarcado por Boult fue mucho más extenso y si al caso exista una constante, fue la búsqueda de obras experimentales o en cierta medida, desconcertantes.

La relación de Arturo Toscanini (1867-1957) con los medios masivos de comunicación fue fundamental para su inmenso reconocimiento. En una etapa madura de su carrera y por obstinado rechazo a los regímenes fascistas, el director italiano se ubica en Estados Unidos, para asumir en 1937 la dirección de la recién fundada Orquesta de la National Broadcasting Corporation (NBC), la mayor cadena de radiodifusión del momento, formada pocos años atrás por la Radio Corporation of America (RCA). Con la Orquesta de la NBC, Toscanini realizó las más célebres grabaciones, en un periodo que abarcó hasta los años 1950, muy cerca de su muerte.

Gaité Parisienne (1938) y Les Sylphides (1893), son reinvenciones orquestales sobre diversas obras originales de Jacques Offenbach (1819-1880) y Frederic Chopin (1810-1849), respectivamente. Con la demanda de exotismo característica del ballet en el temprano siglo XX, aquellas suites orquestales fueron destinadas para tal fin con una acogida generalizada que produjo nuevas grabaciones y puestas en escena. Se cuenta aquí con una interpretación de dos unidades inseparables en su respectivo trasegar: la Orquesta de Filadelfia y quien fuera su director por 44 años desde 1936, Eugene Ormandy (1899-1985).

En su conjunto, las óperas de Mozart dan cuenta del dominio que este compositor tuvo de los más diversos estilos de dicho género en Europa. Y si bien el aporte estuvo en una concepción integral de cada obra, secciones por separado, ya sean arias u oberturas, pueden ser objeto de admiración en su sentido particular, al punto de ser compiladas en una producción que alcanzó generosas ventas. Este disco, publicado en 1983, tuvo a la cabeza a Sir Colin Davies (1927), director inglés que en su vínculo con Philips en los años 1960, realizó la grabación de las principales operas de Mozart.